Born in Brescia, Italy, in 1970, I have been dedicated to the art world since the 1990s. My artistic practice explores the intersection of painting, sculpture, photography, digital graphics, and AI-generated art. My creative process begins with the digital conception of each work, an approach that allows me to visualize the finished piece within its ideal context before translating it into physical form. Inspiration springs from a variety of personal sources: childhood memories, typographic anomalies, astronomical observations, sociological reflections, dreams, and visual distortions. A fundamental aspect of my practice is the creation of pigments derived directly from minerals, crystals, stones, and rocks, which I pulverize using a press of my own design. I select these materials not only for their intrinsic aesthetic qualities but also for their natural chromatic transformations. In my artistic trajectory, I frequently employ tools, technologies, and graphic strategies that extend beyond traditional artistic conventions. Only a selection of the chemical and graphic stratagems I utilize are mentioned on my website, as the principal secret to my results lies precisely in their unique combination.

We are Claudio and Erica. Our shared story began in the 1970s, when we were childhood playmates in the same neighborhood and schools. Though life led us along separate paths for a time, we reconnected as adults, rediscovering a profound and enduring bond. A deep empathy wove together our diverse experiences, uniting us in a harmonious artistic partnership. Here, we present the fruits of our creative journey, showcasing both individual and collaborative works shaped by our shared vision. This evolving space is regularly updated to reflect the organic progression of our artistic process. We invite you to explore these pages with an awareness of the site’s intentionally unconventional structure. This deliberate choice embodies our commitment to an authentic artistic expression. The irregular geometries, non traditional layout, distinctive graphics, and absence of a rigid hierarchy place the artwork itself at the forefront, beyond conventional web design constraints. Each element contributes to a fluid, cohesive visual experience. This site is intended for those who appreciate a contemplative approach, for those willing to engage deeply with our work, to read, observe, and reflect.

Born in Turin, Italy, in 1971, my creative journey is shaped by a multifaceted imagination, driven by curiosity and introspection. Largely self-taught across disciplines, I have long explored alternative realms, dissolving the boundaries between reality and fantasy. My artistic process is an inquiry into the intricate interplay of sensations, emotions, and objects. In painting, I integrate meticulously handcrafted paper rolls in relief, constructing dynamic, geometric compositions enriched by subtle chromatic gradations. At the same time, my engagement with photography and filmed performance allows me to examine the fluid nature of identity. Each performance becomes a dialogue between audacity and irony, always anchored in a purely artistic vision. Through distinctive costumes, wigs, and meticulously designed sets and accessories, I craft images that embrace self irony and artistic transformation. Every portrait captures not only a momentary self but also an evolving aspiration, an exploration of identity’s many internal and external dimensions. For me, creation is never a conclusion but a continual passage toward new and uncharted artistic landscapes.

Questi miei test, un pochino approssimativi tecnicamente, non difficili da realizzare ma che offrono grande resa a livello di impatto cromatico, sono frutto di mix, alcuni casuali, di pigmenti minerali. Gli aspetti chimici presi in considerazioni, sono appunto quelli relativi alla realizzazione di tonalità, a volte anche di tecnica, non convenzionali. Combinazioni visive nemiche della nostra vista. La mia ricerca guarda immancabilmente al come si interpreta l’opera. I colori che l’occhio umano percepisce costituiscono solo una percentuale dello spettro elettromagnetico. I colori ostili alla vista umana sono quelli che mi hanno spesso aiutato a dare all’osservatore l’idea dell’errore. Sono riuscito a creare combinazioni visive addirittura irritanti per l'occhio umano.

Sono artista. E sono sempre stata artista, anche durante un’attesa immobile, di un potenziale imprigionato negli eventi. Una Farfalla Cacciatrice, inespressa. I silenzi, intensi, li ho ben conservati in desideri appena accennati. Un’anticreatività temporanea, obbligata, inerte, era paradossalmente pronta a divenire tutto il suo inverso. Un risveglio improvviso il mio, immediato. Un battito d'ali di una creatura che ha saputo esplodere. Nessuna esitazione; un passo deciso, netto, irreversibile. La Farfalla Cacciatrice è finalmente emersa. Ed ora che ho spiegato le sue ali, non mi fermò più. Non mi fermano più. Non è stato solo un impeto, ma anche una gioia inebriante della rinascita, un’eccitazione intellettuale. Non cerco la mia perfezione ma la mia verità. La mia arte è onesta, non è fatta per piacere, ma per essere fatta da me. Sono una cacciatrice intenzioni e ogni rotolino, ogni tela, ogni immagine, ogni oggetto, è un obiettivo raggiunto di quella caccia. Mi sento in totale armonia con la mia arte, mia amante ufficiale. Sono Ericartacea, la Farfalla Cacciatrice.

Ho trascorso tempo a esplorare l'autoscatto come forma d'arte, trasformando la mia casa in un vero e proprio laboratorio di luci e ombre e riflessi. Le mie performance fotografiche sono un approccio all'autoscatto profondamente concettuale. Sono interessata alla riproduzione fedele della mia realtà, quando possibile giocando con la creazione di un'atmosfera che suggerisca narrazioni. Per me, il riflesso è più di un semplice effetto ottico; è anche una metafora dell'identità. Quando mi posiziono davanti a uno specchio o a una superficie riflettente, non vedo solo la mia immagine fisica, ma anche le proiezioni dei miei pensieri. Spesso, le mie performance iniziano con un concetto accennato dalla mia mente alle mie mani. Preferisco lasciare che la mia intuizione mi guidi più in là dell’idea iniziale. Non ho bisogno di attrezzature sofisticate; la mia arte nasce dalla manipolazione ingegnosa di ciò che ho a disposizione. Spesso, utilizzo tessuti trasparenti, oggetti comuni o persino il mio stesso corpo per creare barriere e deviazioni che modellano la luce in modi inaspettati. Ogni sessione è un esperimento che prima o poi deve riuscirmi.

Studiando il sistema visivo umano ho cercato più volte di unire colori per generare difficoltà di percezione o fastidio visivo. Minerali e cristalli offrono una varietà significativa di pigmenti che possono essere utilizzati per dare vita a opere cromatiche visivamente disturbanti, la cui elevata grafica anomala può risultare aggressiva per la percezione umana, soprattutto se vengono unite determinate tonalità o geometrie in un solo lavoro, accostate a colori saturi. Non è difficile creare una sensazione di instabilità visiva se si combinano determinati colori ostili all’occhio umano se affiancati. Sono riuscito anche a rendere difficile la focalizzazione stessa durante esperimenti di arte sperimentale.

Credo nella purezza del momento, in una rivelazione spontanea fugace che attende solo di essere immortalata. La mia arte sa essere spesso autobiografia domestica visiva. Le mie performance fotografiche nascono dalla convinzione che la fotografia va scattata come senza saperlo. L’autoscatto inconsapevole, non è solo un fantasioso paradosso ma in me è salda e fantasiosa intenzione. Vado oltre il concetto tipico di selfie, e c’è una ricerca di una perfezione solo superficiale che non mi appartiene. Non sono interessata a presentare una versione idealizzata di Ericartacea, una maschera da indossare prima di uscire da me stessa. Il mio scopo è mostrare la metamorfosi delle mie verità, quelle che si annidano nelle pieghe del mio quotidiano, quelle che emergono quando ci si spoglia anche di ogni finzione, oltre che degli abiti. Con il mio viso e con il mio corpo, comunico senza parole. Ogni immagine è per me un vero e proprio atto performativo, un momento catturato in cui la mia presenza fisica si fonde indissolubilmente con l'ambiente circostante. La mia arte vive e si evolve con ogni clic dell'otturatore.

In this section, we present our photographs, acknowledging the long and rich history of the photographic field. This decade marks the bicentenary of the first photograph, taken in 1826 by Joseph Nicéphore Niépce. His "View from the Window at Le Gras" was a groundbreaking achievement, albeit a far cry from the photographs we know today. The evolution of photography continued with Louis Daguerre's daguerreotype in 1839, offering sharper images. In 1847, Abel Niépce de Saint-Victor introduced negatives on glass, enabling higher quality prints. Frederick Scott Archer further refined the process in 1851 with his wet collodion technique and the ambrotype. Since then, photography has seen relentless progress, from color film to instant photography and digital technology. Today, it's a ubiquitous tool for capturing reality and communicating effectively.

Mi sono mosso anche all’inverso, ossia con il fine di creare dipinti rilassanti per la vista, per la mente nell’insieme. Il nostro sistema visivo si è adattato a cogliere sfumature relativamente armoniose e bilanciate. Gli esseri viventi esistono da tempi antiche e fino a epoche recenti hanno vissuto sempre in contesti caratterizzati dai colori della natura, quelli di vegetali, terra, cielo, mari e laghi, e altro. Esistono combinazioni di colore abbastanza ostili alla vista umana. Decenni trascorsi, prima ancora che a tentare di fare una cosa come da accademia, a cercare invece di comprendere il potere comunicativo della grafica e dei colori, studiando attentamente il loro impatto sulla vista umana ma pure sulla psicologia. I miri test a volte trovano utile applicazione proprio per la loro capacità di generare risposte sensoriali gradevoli, intense o meno, essendo realizzati su tonalità visivamente poco impegnative.

We expend a considerable portion of our lives attempting to conceal something of ourselves something we dislike, that causes us embarrassment, or that we feel we cannot afford to have known. This is a silent yet pervasive part of us, insinuating itself into our every ritual of caution, correction, silence, and containment. It is the space wherein we suppress our perceived flaws and discomforts, whether they pertain to our mind, our body, or our mode of expression. Yet, it is precisely in that which I would prefer not to, feel I ought not, or believe I cannot expose, that I now choose to re-process and, instead, render myself accessible. Instinctively and culturally, I have often dismissed the possibility of confronting an internal psychological or physical paradigm one I perpetually sense within me that demands composure, orderliness, and engenders an anxiety of inadequacy, whether to myself or to others, coupled with the suspicion of being scrutinised or deemed flawed. From all these self-doubts, I am now forging a new series of explorations. This is not to champion natural imperfection as if the act itself were part of some ideal. Rather, my interest lies in not retreating, in accepting that my art can indeed spring forth from that which I customarily conceal from the world. Or, indeed, from my errors. To reveal that which I typically keep private thus becomes, in essence, the poetics of a performative act. Shame, when traversed without averting one's gaze, ceases to subjugate. To expose oneself in one’s own unwelcome facets is the most radical form of disobedience against the hypocrisy that embarrassment dictates.

Non posso tenere tutto esposto e avendo realizzato numerosissimi lavori, mi è capitato di riunire e cornici e dipinti impilati in un magazzino o in studio. Conservati e accomodati bene, coperti, ma in un certo senso abbandonati. Può succedere anche che i colori si attenuino o si sporchino nel tempo, se la conservazione è trascurata in un ambiente con un clima non sempre controllato. Certi pezzi credevo addirittura di averli regalati o buttati o riutilizzati ed erano spariti dalla memoria. Avevo abbandonato vari test, senza dare troppa importanza, nel pensiero orientato ad altre creazioni, a nuovi progetti. Forse li avevo pure lasciati incompiuti. Le opere, a volte, nascono su un’idea iniziale entusiasmante, ma hanno destini imprevisti. E anche se attendono a lungo il loro momento per tornare importanti, quel momento non arriva più.

These three colorful necklaces, which I created in various sizes, were made using DAS clay and then painted with acrylic colors. They are inspired by a distant memory from my childhood. Under the arcades, in front of my house, there was a grocery store, and at the entrance, on the left, a dispenser of round, colorful chewing gum. When you chewed them, in addition to having a colored tongue, they were also hard as marble. I remember very well the moment when I inserted the coin and turned the crank, a gesture that amused me enormously 

La mia opera è anche un'installazione indossabile, oppure lo divengo io indossandola. Gli anelli introducono casuali punti di riflesso che si frammentano e ridistribuiscono, creando un sistema di illuminazione dinamico integrato nella struttura stessa. Gli anelli non solo aggiungono colore, ma modificano la percezione cromatica dell'insieme attraverso fenomeni di rifrazione e diffusione luminosa, diventando così elementi involontari che arricchiscono la superficie. Il riflesso si configura così come collaboratore inconsapevole del processo creativo, introducendo variazioni imprevedibili. L'interazione con la cromia corporea dalle luminose tonalità epidermiche genera un sistema cromatico relazionale dove l'opera e il corpo si influenzano reciprocamente. L'opera articola una grammatica della nudità che supera l'esposizione fisica. Si tratta in realtà di una nudità che emerge come concetto di vestimentaria contemporanea. L'adozione di questo sistema vestimentario attiva processi di ricodificazione sociale degli spazi pubblici. La nudità è stilistica, controllata, ma sfida i codici di decenza convenzionali pur senza trasgredirli e soprattutto senza l'intenzionalità, mettendo in discussione i miei stessi parametri normativi dell'esposizione corporea, affrontati in una mia vita pre-arte.

PHOTOGRAPHIC FALLACIES

My photographic shots often depict what no longer exists. Images that are archives of architectural memories, guardians of now-dissolved geometries. Each frame is a temporal portal to spaces that the succession of events has irreparably transformed or definitively erased. The old bridge over the main exit tracks from Brescia station was used by pedestrians. A structure of iron and concrete pillars, it supported thousands and thousands of footsteps for decades. Yet here, in this image, it continues to exist. Around it, the disused industrial buildings bid it farewell when it was eliminated to make way for its successor, an anonymous bridge in style and devoid of the charm of a past. The old bridge, erased from urban memory, in this image stubbornly continues to exhibit its historical dignity, and the old station, frequented by generations of travelers, still sadly remembers that last day of demolition. The slaps received by our memories can rarely be returned. Only photographs, today, visual relics, can constitute, far more than a thought and imagined memory, with precision, the final dwelling of places and structures betrayed to attend the future. The image of places consigned to non-existence are often graphic tombstones in memory of a lost that frustrates. 

The art series Invisible Absences originates from a fascinating and unusual concept: utilizing fragments of celestial bodies that have fallen to Earth, pulverizing them to create pigments. These mineral powders originate from meteorites, asteroids, or other space objects that have landed on our planet over millennia. These fragments, carefully recovered and cataloged, harmless to living beings, are transformed into chromatic solutions. I experience the silence in space as an absent entity whose pervasive presence I can intuit; it has often fueled my imagination. Silence, or what we humans perceive as such, could only be acknowledged with the advent of the human mind.

FRONTAL

L'identificazione di questo modello teorico innovativo non deve essere frutto di fraintendimento o di ricercata decostruzione disciplinare. Non è studiato nemmeno per evidenziare l'inadeguatezza delle categorie estetiche esistenti o nel voler creare analogie con fenomeni artistici ibridi. L'esperienza del vestirsi, in questa mia performance, è atto sia meditativo che investigativo. Il mio corpo diventa spesso laboratorio sperimentale dove testare mie configurazioni estetiche. La pratica genera forme di comunicazione non-verbale sofisticate, creando linguaggi che evidentemente operano al di là delle convenzioni sociali, ma non è certo mio fine rivendicare un'autonomia espressiva, che già possiedo avanzata, a prescindere. Il mio guardaroba personale diventa atelier d'estro, configurandosi come vetrina sistemica, capace di produrre senso inedito attraverso la ricomposizione creativa di elementi familiari.

La curiosità principale dell'acquerello risiede nella sua capacità di trasformare il colore in trasparenze variabili rifacendosi a sovrapposizioni tonali. Una sorta di dialogo tra acqua e l’unico supporto che utilizzo con tale tecnica; la carta. Con questa tecnica lavoro di pazienza e intuizione, lasciando che le velature si sovrappongano: il colore precedente continuo a farlo vivere, visibile in un test ripetuto di trasparenze, che a volte però non mi aggrada e che nel caso ripeto in altra soluzione. Nulla nell’acquerello sembra mai davvero definitivo e osservo continuamente le reazioni dell’acqua, cercando il momento giusto per intervenire. Un passaggio tra casualità e controllo. Alla fine, l’acquerello non si impone sulla carta

Transforming a disused wall, rather than simply restoring it, becomes a way of crafting a visual narrative upon forgotten or overlooked surfaces. There’s often a moment of surprise when I suggest this approach. I observe the wall’s features its flaws, the traces left by time. The technique I choose depends on the nature of the wall and the effect I seek to achieve, yet my underlying aim remains consistent: to preserve as much memory as possible of what I intend to alter. In these cases, my goal is to recreate a wall that engages with its surrounding space without betraying its essence. Ruins, in this light, become the quiet poetry of a wall left undisturbed. It's not easy to offer structural support with new materials while avoiding the erasure of time’s imprint, but occasionally it can be done. There are places and walls that should never be tidied up they deserve protection from those who wish to beautify them. It’s not always possible, but sometimes, it’s enough to sense it. 

In my home, illuminated by the natural light streaming through the windows, I have rediscovered the joy of expressing my creativity through the art of conceptual selfies. After years spent repressing my innate artistic inclination to conform to a life that, due to its dynamics, I felt did not truly belong to me, I have finally found myself again in the intimacy of my domestic space, transforming every corner into a small stage. I eagerly await sunny days, when the light that filters through the windows inspires me more and I feel more motivated. Without any academic training or professional guidance, I began exploring the potential of my body and mind, creating images that tell my stories. Each selfie is an inner journey exported beyond my world, through the lens of a smartphone camera always ready to support me. My art is not just a way to express myself. Each photo is an affirmation of my newfound freedom, a personal way to tell the world that I have finally chosen to live on my own terms, chasing my true essence.

La folla esulta per gli idoli personali, ma in seguito agli eventi e per sempre ricorda coloro che hanno tagliato il traguardo per primi, che hanno vinto un campionato del mondo. Ma esiste un’altra narrazione, che trasforma in vittoria le sconfitte o i non vincenti. È la narrazione di coloro che hanno giocato con la vita sul filo dei millesimi, la cui abilità è stata messa al bando da uno schiocco di dita, da una monoposto non competitiva. Il mio è una sorta di badge emotivo, non pittorico ma devozionale, necessario per accedere alla memoria dell’impegno costante e meticoloso di piloti sfuggiti alla storia per l’implacabile precisione di un cronometro. Le loro gare, intrappolate nelle pellicole d’archivio, sono ammassate in briciole di gloria mancata. Il secondo posto, il terzo, l’ultimo, o un ritiro, sono parte integrante di un coraggio dimenticato, di sogni divenuti incubi. Questa serie di mie opere è un omaggio a quei funamboli, spesso invisibili agli occhi di una telecronaca sportiva focalizzata sul nome di chi sta davanti, grazie a monoposto competitive e, a volte, alla scelta ragionata d’avere in squadra un secondo pilota che rimane secondo anche nei tempi sul giro. A quel cosiddetto secondo pilota non è bastata la purezza di una traiettoria, e spesso la frazione di un secondo è andata perduta burocraticamente o per direttive contrattuali accettate in un ufficio e non sull’asfalto. Non idealizzo la sconfitta, ma ne colgo la pole position poetica, la prima posizione simbolica, la dignità infranta da uno sponsor. 

Equilibrio mentale, in un attimo è il momento. Sul volto mio, un segreto si svela. Penombre amiche, velano e rivelano, i pensieri profondi d'imparare che in me si levano. Il mio sguardo si perde, poi si riprende. Forme distorte, la verità si scompone, in mille frammenti, una nuova visione. Un arcobaleno vivo in ogni scatto, è un azzardo d'arte che io colgo.

Mi sono adornata, per una performance, con un abito di mia creazione, composto da una griglia flessibile di rotolini di carta, di vari colori, ciascuno arrotolato a mano e poi unito agli altri attraverso piccoli anelli metallici. Non ha cuciture, ma connessioni; non impone vincoli, ma domanda cura. L’integrità dell’intera struttura gioca su un equilibrio che richiede attenzione alla tensione. Eppure proprio per questo obbliga a una nuova forma di gestione, fatta non di controllo ma di sensibilità. Ogni movimento implica un dialogo tra corpo e struttura. Indossare quest’abito significa abitare un tempo preciso fatto di gesti, di una manutenzione silenziosa che coincide con la performance stessa. La tensione cartacea e metallica dell’opera si fa resistenza anche poetica. Il gestire il movimento diventa parte del linguaggio, una coreografia indossata che converte la materia in forma. L’abito non si limita a rivestire, ma reclama responsabilità. Se la mia mente ha mediato l’idea, oggi è il corpo a sostenerla, diventandone supporto e architettura viva. Il progetto si è espanso con l'aggiunta di gioielli cartacei, nati dallo stesso principio di connessione e flessibilità, che completano la visione scenica: non ornamenti, ma vere estensioni narrative. L’ibridazione tra corpo, arte, gioco, scultura e atto performativo, prende così forma in una scenografia indossata. In questa dinamica mi diletto a essere il manichino di me stessa. Non è solo un ammiccamento a una moda mia il mio abito, ma una più convinta e coerente dichiarazione sull’incedere delle idee, attraverso l'attenzione e il bilanciamento. La mia arte, voglio dire, merita attenzione, non solo quando è esposta.

There was countryside in the neighborhood where I grew up. I would watch it as it slowly inhaled, holding for a moment an ancient rhythm, only to exhale after I had already walked away. The plowed fields spoke an earthy dialect, one that only the plants could truly understand. The countryside is a place where nature and man challenge each other without ever laying down their arms. Today, painting it sometimes means disturbing the quiet of men who place their trust solely in their grapes, in their grain. In the countryside, I meet people whose speech is, at times, woven with profanity, as if it were a natural cadence of their lives. And the water ditches they draw from—the oxygen of agriculture—are the punctuation of ancient and necessary habits. Perhaps the quantum is nothing more than a mere punctuation of the ancestral. 

On various occasions of domestic selfies, I present myself both as a mirror and as a reflection of my personality in an artistic manner. I navigate seamlessly between a natural, makeup-free visage and one stylized through cosmetic interventions. Wigs, often unconventional and vibrant, become part of my repertoire, transforming each photo into an opportunity to reinvent myself. They are not merely accessories but tools of metamorphosis, bridging my inner self with a playful exploration of identity. Every wig I choose feels like a deliberate decision about who I want to be in that precise moment. The synthetic locks, with their shape, color, and texture, become a language—a visual grammar that reveals fragments of myself hidden within. In front of the lens, I am both the photographer and the subject, with wigs serving as my blank canvas, ready to be painted with creativity and imagination. These performances, whether photographic or filmed, become a subtle interplay between identity and imagination. Each image or filmed frame captures a moment of evolving artistic expression, a fragment of sincerity disguised in artifice. Sometimes, the wig lends me courage I didn’t know I had; other times, it reveals vulnerability I hadn’t anticipated. These emotions emerge unexpectedly, enriching the process and leaving a lasting impression. I often wonder what remains of these performances within me. It is not just a visual memory but something deeper: the awareness of being multifaceted, of carrying within me an infinity of faces and stories. Wigs remind me that I am never just one person. Every day, I can choose who to be, how to see myself, and how to present myself to the world. Despite society’s tendency to box people into static labels, these performances allow me to escape that rigidity. Ultimately, what I love most about these moments is the sensation of absolute freedom. Each performance is an evolving story that changes with every wig, expression, and interpretation. This process not only expands my understanding of myself but also becomes a celebration of the fluidity and boundless possibilities of identity.

That morning I woke up with something else on my mind. But the feeling of surprise and curiosity definitely outweighed my commitments, which I decided to put off. For the first time, after almost a year of testing, one of my paintings, created with autonomously variable colored minerals, changed during the night, without any chemical or electrical tricks. The stain, a dark earthy orange, transformed into a lighter and brighter orange hue. It wasn't just a different shade, but a true chromatic metamorphosis that gave the painting a new look. The new color was revealed, overshadowing the previous one in a random harmony. There were already objects capable of changing color thanks to chemical reactions, but not with my method. A neighbor, a chemist by profession, had been an art buddy for months, showing me how I could hypothetically achieve such results. Then I took pictures and made notes. I already imagined new works and new experiments. 

My artistic research has never been confined to a single form of expression. From the outset, my curiosity has driven me to explore the intrinsic potential of every material, investigating its structure, its reactions to light, and beyond. I have worked with minerals, natural powders, and oxidized metals, seeking to understand how each element could transform into a visual vehicle. And my experimentation hasn't been limited to canvases. I have tested dozens of different types of wood and metal. In parallel, I have deepened my understanding of the interaction between light and matter. I have studied the refractions and shadows produced by reflective, opaque, or translucent surfaces. I have experimented with various types of lighting: natural light, which evolves over the course of hours, and artificial light, with interplay of intensity, colors, and filters capable of modifying the perception of the artworks. Equally important has been the work on the chemical properties of materials. Oxidation reactions and controlled deterioration have allowed me to achieve chromatic effects in continuous transformation. I have observed how certain minerals, combined at different temperatures, produce astonishing nuances, and how organic materials respond to the passage of time, integrating the very concept of duration and mutation into artistic creation.

I embark on a personal journey through the intimacy of outward appearance, highlighting the natural state of aesthetic vulnerability. I capture moments when my facial features still bear traces of sleep, when my hair is tousled or my eyes are half-closed as I gradually adjust to the morning light. Even the objects around me, in this context, take on symbolic significance: a freshly brewed cup of tea or coffee, rumpled sheets, or the disarray of a room not yet touched by the rhythm of the day. Each object becomes part of a silent language, contextualizing an experience that belongs as much to my body as to my mind, in an intimate dialogue with the everyday. The goal is not to create traditional selfies meant to be shown and validated by an external gaze, but rather a series of self-portraits that narrate the story of my physical self during a moment of transition between private naturalness and the self prepared for the public eye. These self-portraits reveal a deeper, contemplative dimension, capturing my essence without filters—an essence that does not seek to impress, but simply to exist. After all, photography is also a way to engage in dialogue with oneself, to observe one’s face as a mirror that reflects not only outward appearance but also mood, fatigue, or the weight of awakening. Perhaps, in these fleeting moments of early morning, I am able to capture a fragment of physical truth that tends to elude me throughout the rest of the day.

L'operatività della mia opera si attiva con una dimensione performativa che si innesca in autonomia nel momento in cui indosso il capo. L'introspezione modulare la si può identificare in tre livelli performativi: il primo, epidermico, riguarda il contatto fisico diretto tra me, la mia pelle ed i materiali; il secondo, cinetico, coinvolge la modificazione dell'opera attraverso il mio movimento corporeo; il terzo, simbolico, attiva processi di significazione che oltrepassano la materialità dell'oggetto. L'azzardo, inteso quale azzardo performativo e non come semplice provocazione, è un elemento che caratterizza spesso le mie operazioni artistica in cui entri in gioco il corpo. L'azzardo diventa così strategia consapevole di destabilizzazione, non tanto dell'osservatore, ma ben più ampiamente delle gerarchie coprenti ed estetiche, che pone al centro il processo creativo anziché il risultato finale. La carta, sottoposta al movimento dell'indossamento, subisce trasformazioni progressive che modificano l'aspetto estetico senza comprometterne l'integrità. Gli anelli invece, più strutturalmente resistenti, fungono da testimoni stabili delle metamorfosi cartacee, creando un organismo evolutivo che porta in sé la propria archeologia futura.

"IRIS" (2022) 50 X 150

For a long time, I dabbled in various forms of artistic expression and techniques as a hobby. However, it is through my canvases that my artistic exploration has evolved, transforming from a recreational pursuit into a complex personal, conceptual, and artistic endeavor. I transform colored paper, shaping forms and textures, creating works that evoke emotions in me and, I hope, in those who view them.